27 правил хорошего текста о музыке

27 правил хорошего текста о музыке

Иллюстрации Сони Коршенбойм

Иллюстрации Сони Коршенбойм

Продолжаем цикл материалов о том, как научиться писать о кино, музыке и книгах. В этом выпуске журналист и главный редактор издательства Individuum Феликс Сандалов рассказывает, почему при написании музыкальных заметок важно разговаривать с людьми, избегать оценок, ходить на концерты и доверять себе.

Общие принципы

Разговаривайте с людьми. Критика без диалога невозможна. Если в других культурных индустриях еще существуют институты, которые занимаются социализацией критиков и выстраиванием диалога с ними (например, прокатчики и фестивали в киномире), то поле пишущих о музыке утыкано башнями из слоновой кости, над которыми нависают воздушные замки. Главная проблема музыкальной журналистики в России — да и не только в России — в нее часто идут люди, стремящиеся максимально отстраниться от реального мира.

Не пишите длинные тексты. Хороший объем для текста о музыке — от пяти до десяти тысяч знаков. Если у вас много идей и мыслей, разбейте их на несколько материалов: не стоит излагать все, что вы думаете по поводу культуры, музыки, истории человечества и вселенной, в одной рецензии на переиздание третьего альбома группы «Шао? Бао!». Если вас переполняют знания и одолевает творческий зуд, пишите сразу книгу.

Учите английский язык. Большинство выходящих о музыке книг, равно как и большинство популярных по всему земному шару песен, написано на английском. Другие иностранные языки тоже не помешает знать.

Выйдите из комнаты. Ваши тексты не должны проходить под категорией «графоманское самолюбование», но привлечение жизненного опыта не будет лишним: покажите, как музыка, о которой вы пишете, живет — что за люди ее слушают, что о ней думают. Размышляйте и пишите о технологической, экономической, политической и других сторонах дела.

Принципы работы с текстом

Вся ответственность за качество текста лежит на вас. Хороший редактор в России — явление краснокнижное, поэтому доводите свой текст до полной готовности сами. Иначе есть вероятность, что ваш текст опубликуют на сайте в том виде, в каком вы его прислали. Еще меньше вероятность фактчекинга.

Составляйте план текста. Даже у небольшой рецензии должна быть структура.

Постарайтесь понять, что важно вашим читателям. Возможно, все что нужно — это ссылки на редкие записи азербайджанского фанка и минимальные биографические справки. Может быть, требуется осмысление глобальных процессов в культуре. В любом случае инициатива должна исходить от вас.

О самой безобразной панк-записи можно написать текст , исполненный изящества и точности. Помните, что критика — тоже искусство.

Не злоупотребляйте прилагательными. В тексте должно быть действие, а не его описание.

Избегайте неймдроппинга и наклеивания ярлыков. Ваш текст не станет понятнее, если вы назовете кого-то «последовательницей Бьорк» на основании смутного ощущения сходства или напишете «дрилл-энд-бейс-флэшкор-экограймом с примесью пландерфоники». Задайтесь вопросом, что именно вы хотели сказать этим сравнением или определением и перефразируйте так, чтобы это было понятно театралу, профессору физики или учащемуся восьмого класса, а лучше всем троим одновременно.

Оценки не сообщают ничего, кроме вашего отношения , и, как правило, этого недостаточно. «Хороший», «плохой», «великий», «ужасный» — результат умственной лени.

У литературы и музыки много общего. Например, ритм. Перечитывайте свои тексты вслух, ловите дыхание, ищите слабые места, работайте с панчлайнами. Дайте тексту отлежаться день, вернитесь к нему со свежей головой и перепишите слабые места.

Критические отзывы читают лучше хвалебных. Однако помните, что каждый раз, когда вы заносите руку для удара, вы раскрываетесь сами, поэтому лучше занять максимально беспроигрышную позицию и перепроверить все свои аргументы дважды, прежде чем начать кого-то громить.

Смотрите музыкальные видеоблоги и слушайте подкасты. Будущее, возможно, не за текстами, но умение писать связно пригодится вам и в любом другом медиа.

Принципы работы с материалом

Прислушивайтесь к себе. Доверяйте своей интуиции — это самое дорогое, что у вас есть. Пытайтесь понять, почему вам не нравится конкретная песня, что вас в ней задевает: возможно, проблема не в песне, но ваша реакция будет созвучна ощущениям других людей.

Не подходите к музыке с одной меркой. Одно дело — Маурицио Кагель, другое — Ольга Бузова. Каждый артист требует своего критического аппарата и понимания контекста. Если вы научитесь писать сложно о простом и просто о сложном, вам цены не будет.

Не ведитесь на общемеломанские приколы . Если считается, что какой-то альбом по умолчанию должен нравиться всем без исключения, а вам он не нравится, отнеситесь к этому не как к своему недостатку, а как к достоинству. Пиетет перед общественным мнением не должен затыкать вам рот: принцип «миллионы не могут ошибаться» — ложный.

Ходите на концерты. Это позволит лучше понять музыку. К тому же музыкальных журналистов туда часто пускают бесплатно. Если в вашем городе концерты проходят редко, смотрите записи на Youtube.

Изучайте средства производства. Даже скромное понимание того, как устроен мир DAW ( Digital Audio Workstation — электронная система для создания музыки, например Ableton или GarageBand ), позволит лучше разбираться в том, как сделана музыка, которую вы изучаете. С учетом того, что сегодня расстояние между слушателем и музыкантом стремительно уменьшается, ваши наблюдения могут оказаться весьма полезными.

Задавайтесь вопросом, какие изменения в обществе породили музыку , о которой вы пишете, и о чем это говорит. Не бойтесь придумывать свои теории — это в конечном счете и есть самое ценное, что критика может дать миру.

Слушайте музыку разных стилей и стран. Жизнь будет интереснее, а ваши представления о музыке — сложнее и шире.

Придумывайте новые жанры. Возможно, термины вроде «найскор» или «кидхоп» не слишком прижились (хотя и встречаются до сих пор), но в свое время они довольно точно ухватили суть определенных явлений в музыке. Кроме того, это хороший способ привлечь внимание к происходящему, ведь все мы настроены на то, чтобы замечать что-то новое в окружающей среде — так устроен наш мозг. Будьте же первым, кто заметит это новое.

Не бойтесь заявлять новых героев и биться за них до последнего. Так культура движется вперед.

Ищите новые имена на Bandcamp, Soundcloud, во «Вконтакте». Судить о следующем поколении влиятельных музыкантов по каталогу стриминговых сервисов — то же самое, что судить о происходящем в стране по тому, что показывают по ТВ: можно, но ничего, способного удивить, вы не найдете.

Любые правила можно нарушать , надо только твердо знать зачем.

Не пишите о музыке . Пишите о жизни.

Есть десятки полезных сайтов и сервисов, которые нужно добавить в закладки и постоянно к ним обращаться: Вот лишь некоторые из главных.

  • Discogs.com . Всеобъемлющая база легальных и пиратских изданий с сопутствующим маркетом. Информация об изданиях конкретной пластинки в разных странах, участниках записи, лейбле и так далее.
  • Allmusic.com . Институциональное медиа, вещающее в интернете уже 28 лет и хранящее десятки тысяч рецензий профессиональных критиков.
  • Rateyourmusic.com . Злой (действительно злой. Пройдитесь по рецензиям в категории «худшие альбомы всех времен» и выучите несколько новых предельно едких выражений) младший брат Allmusic, народник: здесь ставят оценки и рецензируют альбомы не профи, а любители, но получается у них зачастую не хуже. А еще здесь можно найти списки на любую тему.
  • Genius.com . Изначально сайт расшифровывал строчки в песнях рэперов, но затем переключился на весь спектр музыки. Тексты интерпретируют пользователи, поэтому верить всему и безоговорочно нельзя, но пища для ума полезная. См. также songmeanings.com .
  • Libgen.io и books.google.com . Универсальный способ найти книгу (в нашем случае о музыке) и ознакомиться с ней.
  • Reddit.com . Про что угодно можно найти что-то новенькое, просто загуглив это и добавив к запросу «+reddit». Даже о не самых популярных группах есть свои фанатские сабреддиты с полезной информацией.
  • Billboard.com . Все просто — ищи, кому это выгодно.
  • Web.archive.org . Незаменимый инструмент для поиска старых пресс-релизов, официальных заявлений артистов, сгинувших фан-сайтов и всего остального, что не сохранилось в интернете до текущей даты.
22 симпатии

Надеюсь Бар не скатиться со временем в сборник статьей «10 лучших источников всех времен» и «5 лучших пересен группы Кино».

3 симпатии

На самом деле это очень востребованный запрос, лучше пять

Лучше три или один, но это профанация

Некоторые моменты из статьи полезны, для более ясного понимания, как правильнее писать туровые обзоры на технику аудио. Чтобы действительно, не только самолюбование, но и польза посетителям Бара.

4 симпатии

Тут так получилось, что прочитал большой пул обзоров в stereo.ru и прочих советских аудио журналов. Очень мало полезного. Перечисление ТТХ, дизайна, интерфейса и кот наплакал про звучание.

От критиков к алгоритмам: затухающий голос элит в мире музыки

Еще не так давно музыкальная индустрия была «закрытым клубом». Попасть в него было тяжело, а общественный вкус находился под контролем небольшой группы « просветленных » экспертов.

Но с каждым годом мнение элит становится все менее ценным, а на смену критикам пришли плейлисты и алгоритмы. Расскажем, как это произошло.


Фото Sergei Solo / Unsplash

Музыкальная индустрия до 19 века

В европейском музыкальном мире долгое время не было правил, иерархии и деления на профессии, к которым мы привыкли. Не было даже привычной нам модели музыкального образования. Роль музыкальных школ часто играли церкви, где дети учились под руководством органиста — именно так получал образование десятилетний Бах.

Слово «консерватория» появилось в 16 веке и обозначало детский приют, где воспитанников обучали музыке. Консерватории, соответствующие современному определению термина — с входным конкурсом, четкой образовательной программой и карьерными перспективами —распространились по Европе лишь в 19 веке.

Композиторская деятельность долгое время также не являлась особенно престижной. Многие популярные ныне классики зарабатывали на жизнь как исполнители, дирижеры и учителя.

До того, как музыку Баха популяризировал Мендельсон, композитора вспоминали, в первую очередь, как выдающегося педагога.


Фото Matthew Cramblett / Unsplash

Самыми крупными заказчиками музыки были церковь и знать. Первая нуждалась в духовных произведениях, вторые — в развлекательных. Именно они контролировали то, какую музыку слушает свет — даже если сами относились к музыке поверхностно.

Более того, в то время жизненный цикл каждой композиции был, по современным меркам, очень коротким. «Рок-звездами» тогда были виртуозы — гастролирующие музыканты, которые демонстрировали выдающиеся технические способности. Они обновляли свой репертуар каждый год — в новом сезоне от них ожидались новые произведения.

Именно поэтому, как пишет кембриджский профессор и пианист Джон Ринк (John Rink) в своем эссе из сборника «Кембриджской истории музыки», композиторы нередко делили свое творчество на недолговечные «хиты» для репертуара концертирующих исполнителей и долгоиграющую «нетленку». Производство музыки в таком контексте вставало на конвейер.

Рождение академической музыки

Устоявшийся порядок начал меняться на рубеже 18-19 веков, когда преобразилось само отношение образованных европейцев к музыке. Благодаря романтическим веяниям, широко распространилось понятие «высокой» музыки. Элиты начали видеть в европейской культуре инструментальных произведений нечто абсолютное, отличное от веяний изменчивой моды.

Сейчас такой подход к музыке мы называем академическим.

Как любое благородное занятие, «высокая» музыка нуждалась в системах, которые будут поддерживать и защищать ее чистоту. За это взялись богатые покровители искусств (от дворян и промышленников до королей), чья деятельность стала как никогда престижной.


Фото Diliff / Wiki

Именно на их деньги строились образовательные учреждения и культурные институты, ныне являющиеся стержнем классического музыкального мира. Таким образом, элита не только отстояла свое место в европейской музыкальной культуре, но и взяла ее развитие под свой контроль.

Музыкальная критика и журнализм

Первые газеты, которые публиковали рецензии на музыкальные произведения, начали печататься также в конце 18 века — примерно в одно время с появлением привычных нам консерваторий, филармоний и музыкальных школ. Если образовательные учреждения задавали планку исполнительского и композиторского качества, то критики ставили ее под вопрос.

Их задача — отличать вечное от переходящего — подчеркивала безвременность высокой музыки в академической традиции. Уже в двадцатом веке гитарист Фрэнк Заппа едко отмечал, что «говорить о музыке — все равно что танцевать об архитектуре». И вполне обоснованно.

Музыкальная критика берет начало в музыкологии, эстетике и философии. Для того, чтобы написать хорошую рецензию, необходимо иметь познания во всех трех областях. Критик должен разбираться в технических аспектах работы музыканта и композитора, выносить эстетические суждения и чувствовать связь произведения с «абсолютным» — за пределами конкретики. Все это делает музыкальную критику очень специфичным жанром.

Уже вскоре после появления, музыкальная критика перетекла из специализированных изданий на страницы популярной прессы — музыкальные критики успели утвердить себя как неотъемлемую часть журналистской культуры. До распространения звукозаписи музыкальные журналисты рецензировали выступления, в частности — премьеры.

Реакция критиков на премьеру композиции могла определить ее дальнейшую судьбу. Например, после разгрома первой симфонии Рахманинова на страницах петербургского издания «Новости и Биржевая Газета», произведение не исполняли вплоть до смерти композитора.

Учитывая необходимость в понимании технической стороны композиторского мастерства, роль критиков часто играли сами сочинители музыки. Рецензию, о которой речь шла выше, написал Цезарь Антонович Кюи — член «Могучей Кучки». Также своими рецензиями были знамениты Римский-Корсаков и Шуман.

Музыкальный журнализм стал важным элементом новой музыкальной экосистемы 19 века. И, подобно другим аспектам этой молодой «индустрии», он тоже контролировался образованной, привилегированной элитой с академическими стандартами.

В двадцатом веке ситуация кардинально изменится: на смену элитам придут технологии , на смену композиторам-критикам — профессиональные музыкальные журналисты и диджеи.


Фото frankie cordoba / Unsplash

О том, что интересного происходило с музыкальной критикой в этот период, расскажем в нашем следующем материале. Постараемся подготовить его в ближайшее время.

2 симпатии

От критиков к алгоритмам: лейблы, корпорации и музыкальная культура XX века

Вчера мы начали разговор о том, как менялось восприятие музыкальной индустрии и музыкальной критики за последние 200 с лишним лет.

Если на рубеже 18-19 веков критика только начала свое становление, и музыкальные произведения оценивали в первую очередь сами коллеги-композиторы, то индустриализация двадцатого века резко изменила положение дел в этой сфере.

Посмотрим, что привело к таким изменениям и как ведущая роль в формировании музыкальной повестки дня перешла от культурных элит к корпорациям.


Фото frankie cordoba / Unsplash

Революция в академической музыке

В начале 20-го века у романтической традиции, которая сформировала музыкальную индустрию в привычном нам понимании, появились соперники. Гармония начала «выходить из тональных берегов», начертанных ранними романтиками. Организации, которые занимались регулированием общественного вкуса, на это отреагировали холодно.

Даже такие «безобидные» по нынешним меркам произведения, как «Просветленная ночь» (нем. Verklärte Nacht) Шенберга блокировались арт-советами.

Композиторы, движимые тягой к абсолютному, хотели освободить себя от оков традиции. Так родился авангард — по воле композиторов, но не заказчиков их музыки.

Шенберг, Веберн и Берг основали свой композиторский кружок, который пресса прозвала Второй (Новой) Венской Школой, в противовес старым порядкам. Постепенно авангард вышел за рамки «протестного движения» и приобрел поклонников — в первую очередь в среде коллег-музыкантов и интеллигенции. Так нашел место в репертуаре многих исполнителей второй фортепианный концерт Прокофьева, премьеру которого петербургская публика освистала.

По сравнению с романтизмом 19 века авангард был более демократичным жанром, отчасти благодаря разрыву с классической традицией, отчасти — благодаря социальным изменениям в Европе. Получить профессию композитора, поддержать и развить в себе творческие порывы стало проще, чем раньше — тот же Шенберг вырос в обычной еврейской семье и даже не окончил школу. Но порог входа для слушателей стал только выше, и работа критика была как никогда востребована. Неискушенному человеку непросто понять атональную музыку.

Поп-музыка и шоу-бизнес

19 век был золотым временем для песенных композиторов. В Европе расцветал жанр lieder, в России — романсы. Такая музыка распространялась в виде нот и предназначалась для домашнего исполнения. Но не все могли играть на фортепиано или петь, что ограничивало популярность этого жанра. Звукозапись и радио изменили ситуацию. И в начале 20 века, под шум мировых войн и авангардных революций, песни захватили массовую культуру.

Академическая музыка напротив с каждым годом становилась все более нишевой, менее доступной. Культурное влияние элит, поддерживавших академическую традицию, также постепенно уменьшалось. Одновременно с этим поп-музыка завоевывала широкую аудиторию.

А критики относились к ней все более серьезно.

Ключом к этой трансформации были технологии. Звук, застывший во времени, — еще более абстрактная вещь, чем живое исполнение. Слушатель может погрузиться в вечность мелодии, даже не подозревая о том, как она была создана. Эта идея была бы очень созвучна романтикам.

Более того, когда в 1948 году вышла первая долгоиграющая пластинка, появился последний недостающий фрагмент мозаики. Поп-музыка получила свою «серьезную» форму, аналогичную вокальным циклам романтических композиторов.

Как только исполнители начали экспериментировать с форматом альбома и создавать целостные произведения с претензией на высокое искусство, появилась та поп-музыка, которую мы знаем сейчас. Но влияние элит никуда не исчезло, а просто изменило форму.

Новыми «хранителями музыкальных стандартов» стали компании. Место покровителей искусств — влиятельных людей из высшего общества — заняли лейблы, влиятельные бизнесы.

Роль музыкальных издателей выросла вместе с их аудиторией: они получили контроль над музыкальной индустрией. А роль критиков стала более коммерческой.

Их главной задачей стало информировать широкий круг людей о том, достоин тот или иной альбом их внимания (и денег) или нет. Журналисты, диджеи, музыкальные директоры стали главными навигаторами по международному миру музыки. Появление в «правильной» радиопередаче могло дать толчок успешной карьере, восторженные рецензии критиков были путем к признанию.

Но, как и любая подобная иерархия, эта система имела свои недостатки. Голоса меньшинств, или несогласных со статусом-кво той или иной «звезды», систематически заглушались. Людям предлагали слушать не то, что они хотят, а то, что другие считают достойным их внимания.

С другой стороны, развитие института критики помогало не превращать музыкальную индустрию в конкурс популярности. Благодаря работе критиков общественное внимание направлялось и на вещи, артистическая ценность которых превышает их коммерческий успех.

Ни один альбом Фрэнка Заппы не получил статус платинового. Тем не менее, он оставил важный культурный след — не в последнюю очередь потому, что не остался незамеченным в среде музыкальных обозревателей.

Но ничто не вечно. От былого статуса критиков практически ничего не осталось — интернет предоставил доступ к музыке без посредников. О том, к чему это привело и какие процессы регулируют общественное мнение о музыке сегодня, расскажем в следующем материале.


Фото Mohammad Metri / Unsplash

3 симпатии